Archivado en: ‘Bandas’ .

Cinco bandas a tener muy en cuenta (I)

4 Noviembre, 2009

Hay algunas bandas, todavía de corta trayectoria, que vienen pisando muy fuerte, y que con apenas uno o dos discos en el mercado son ya capaces de acaparar las portadas de los medios como el nuestro. Son una joven camada de amantes del Rock a los que la diosa fortuna les está sonriendo, otorgándoles tanto el don del talento como el de una creciente popularidad.

5. The Parlor Mob.
Unos auténticos desconocidos en nuestro país, pero sin duda una de las bandas más especiales y eclécticas que han aparecido en los últimos tiempos de la mano, como suele ser habitual, de Roadrunner Records. Su disco de debut, And You Were A Crow (2008),  es una verdadera delicia que conviene disfrutar con calma y sosiego. Sus virtudes, el haberse arriesgado a recuperar con buen gusto las esencias más amplias de la música facturada en los 70’s. Sin aditivos ni conservantes.

4. Rose Hill Drive.
Ellos fueron uno de los primeros grandes descubrimientos que realizamos en nuestro anterior Magazine. Un trío sin complejos, adoradores de todo lo que huela a Rock. Su primer larga duración, Rose Hill Drive (2006), fue todo un vendaval de sensaciones varias. Su segundo álbum, Moon Is The New Earth (2008), también tiene sus momentos, si bien anda un poco lejos de lo que ofrecieron con su debut. Aunque donde sin alguna duda la banda se crece es encima del escenario. Los hermanos Sproul tienen uno de los mejores directos que hemos visto en mucho tiempo. Un power trio de los de la vieja escuela.

3. Black Stone Cherry.
Son un caso bastante similar al de Rose Hill Drive, aunque las cotas de popularidad que disfrutan los de Kentucky ya la querrían para si los de Colorado. Su disco homónimo, Black Stone Cherry (2006), editado también por Roadrunner Records, es de los mejores trabajos que se facturaron ese año. Con su segundo intento, Folklore And Superstition (2008), han bajado un poco el listón, pero ya se encargan ellos de subirlo con sus actuaciones en directo. Contundencia y tributo a los clásicos son sus señas de identidad, todo ello asentado en su juventud y su particular sonido.

2. Airbourne.
Ya tuvimos aquí algunas buenas palabras para ellos. Herederos legítimos del legado de AC/DC, los australianos pusieron a saltar a medio mundo con su sonido Hard Rock, muy clásico pero ciertamente efectivo. Lo plasmado en su Runnin’ Wild (2007), merece de largo el hecho de que este trabajo haya sido elegido en varios medios como el disco del año. Motivos para ello desde luego no faltan. Veremos que nos ofrecerán en el futuro en su esperadísimo No Guts, No Glory (2010).

1. Wolfmother.
Otros australianos que han roto moldes. Tiempo ha tenido la banda que lidera Stockdale para triunfar, morir, renacer de las cenizas y volver a triunfar de nuevo. Su música habla por si sola y es su mejor carta de presentación. ¿Quién no conoce su éxito Woman?. Recientemente han vuelto a la carga con Cosmic Egg (2009), pero su primer disco de estudio homónimo, Wolfmother (2005), sentó las bases de un nuevo renacer del Rock de raíces añejas. Todo lo bueno que se diga de ellos es poco.

Post extraído de mi Blog personal en Todas Las Novedades.
(Puedes leerlo aquí)

Wicked Article buscan nuevo batería tras la inesperada marcha de Gorio Torres

24 Enero, 2009

Hoy he amanecido con la triste noticia de que Gorio Torres, un excelente batería que ha pasado por bandas tan añoradas y relevantes en la ciudad de Valencia como Ambuka Doral, Maledicta o Noir, ha decidido abandonar Wicked Article, el proyecto en el que actualmente participaba.

Sin entrar en detalles, ni buscando urgar en las posibles causas de este inesperado adios, la realidad es que noticias de este tipo no son para nada de mi agrado, sobre todo cuando tienen que ver con bandas con las que he compartido y comparto algo más que buenos directos y canciones realmente brillantes.

No obstante la vida sigue, por lo que Wicked Article ya se han puesto manos a la obra para seguir adelante con el proyecto a pesar de las adversidades. Lo principal para ellos ahora es dar con un nuevo batería y continuar ofreciendo sobre los escenarios aquello que mejor saben hacer, Rock con mayúsculas.

Así que si eres un apasionado de las baquetas, te gusta el Rock, vives en la provincia de Valencia y quieres hacer una prueba con una grandísima y experimentada banda no tienes más que ponerte en contacto con ellos a través de su página web o de su MySpace.

Web | Wicked Article

MySpace | Wicked Article

Mark Lanegan, el último superviviente del Grunge

30 Diciembre, 2008

Se positivamente que Vane me va a matar cuando lea estas líneas, pues realmente ella es mucho más fanática del pelirrojo de Seattle de lo que yo seré jamás. No obstante, mientras suena de fondo su Bubblegum (2004), he de reconocer que la trayectoria de Mark Lanegan, tanto en solitario como al frente de Screaming Trees es sencillamente brillante y exquisita. Por eso en el día de su 44 cumpleaños es más que necesario y obligado realizar este breve homenaje a uno de los artistas más personales que ha dado la escena Grunge.

A mi juicio, Mark Lanegan es sin duda el gran tapado de la generación de Seattle. Quiero pensar que es porque en Screaming Trees, cuya trayectoria dio comienzo ya en 1985, el peso de los hermanos Conner, tanto en cuanto a liderazgo como a kilos se refiere, provocaba que la banda se orientará más hacia el Rock Psicodélico y el Pop. Pero ya cuando Mark Lanegan consiguió por fin empezar a volar en solitario, con la ayuda de Kurt Cobain y Krist Novoselic, el pelirrojo comenzó a dar muestras de su enorme talento y de su portentosa voz, ajustándola a la perfección a unas melodías mucho más relajadas y adecuadas a su particular tonalidad grave.

Mito vivo del Grunge, esencia de cronner, actualmente un icono Indie, y siempre un colaborador de lujo, Mark Lanegan es sin duda un superviviente. Su voz, curtida por el wishky y el tabaco, son su mejor virtud y su mayor talento. Algo que ha sabido explotar con acierto y con sabiduria allá por donde ha dejado su rastro. De hecho creo que recientemente descubrí su participación en el segundo disco en solitario de Jerry Cantrell, haciendo segundas voces en el tema Gone, pero no he podido confirmarlo. (Si alguien sabe algo que lo diga, este es el lugar).

Lo que sorprende es verlo totalmente estático en directo, como si la cosa no fuera con él. Y es que en realidad con su voz se sobra y se basta para llenar un escenario. Así ocurrió por ejemplo en su actuación con The Gutter Twins en el pasado ARF 08. Eso sí, nunca penséis que se separará de su micrófono o que sonreirá lo más mínimo. Un hombre de hielo que, a mi parecer, rinde mucho mejor en sus discos, pero que en los directos, siempre está a la altura de lo que se puede esperar de él.

Mis respetos más sinceros para Mr. Mark Lanegan,
un verdadero maestro de la elegancia y la melodía.

Banda | Mark Lanegan

Jerry Cantrell, Angel Eyes y la esencia de un sonido

29 Diciembre, 2008

Para los que no lo sepan, mi nick TheDrawback, viene de lejos. En concreto fue el nombre que elegí para mi primer proyecto en solitario en el mundo de la música, Drawback, o lo que viene a ser lo mismo Inconveniente.

Los Mtv Unplugged de mitos como Pearl Jam, Nirvana o Alice In Chains, fueron sin duda el mejor exponente de un sonido con el que me involucre de una forma intensa. Mis necesidades vitales me llevaron a crear mi propio personaje, con el que dar rienda suelta a mis inquietudes musicales. Unas inquietudes nacidas bajo el amparo del sonido Grunge más acústico, desgarrador e intimista, pero también de los pocos elegidos que supieron continuar su legado. Bandas que pasaron a engrosar el denominado movimiento Post Grunge.

Hoy, varios años después de mis últimas actuaciones, y tras dejar la guitarra a un lado, suena Angel Eyes en mi reproductor de mp3, un tema de Jerry Cantrell, incluido en su segundo álbum en solitario Degradation Trip (2002). No puedo evitar esbozar una sonrisa al escucharlo. Ahí está de nuevo, el sonido, la esencia, el sentimiento, la necesidad, todo lo que me llevo un buen día a empezar a componer y a rasgar mi guitarra acústica.

Vuelven de nuevo a flocrecer las viejas sensaciones que pensé que había guardado por siempre en un cajón bajo llave. Todo ello por culpa de ese sonido tan definido, tan bien interpretado en su vertiente acústica por bandas como Nirvana, Alice In Chains, Days Of The New, Godsmack y que, por supuesto, tan bien ha sabido reflejar el propio Jerry Cantrell en sus dos trabajos.

Pinceladas de intimismo, de emoción, de sentimientos, de melancolía, de esperanza, todo ello con la simplicidad de una voz y una guitarra acústica, con los adornos del bajo y la batería, con la consciencia de lo realmente esencial. Jerry Cantrell y su Angel Eyes me han hecho sentir de nuevo la necesidad de hacer música.

Banda | Jerry Cantrell

Hamlet, del Hard Rock al éxito del Nu Metal

27 Diciembre, 2008

Nadie a estas alturas creo que dude que Hamlet han sido, son y seguirán siendo una de las bandas más importantes que ha dado este país. Pioneros del Nu Metal en España, la banda de Molly y Tárrega posee uno de los currículos más envidiables y extensos del panorama musical más reciente. Con discos como Revolución 12.111 (1996), Insomnio (1998) o Hamlet (2002) han logrado establecerse en un lugar realmente privilegiado.

Pero lo que quizás muy pocos conozcan sean su orígenes. Nacidos como banda en el año 1987, los madrileños tenían en el Hard Rock su gran referente. Una influencia que quedaría plasmada en el primer Ep del grupo Hamlet (1990) y en su también primer larga duración Peligroso (1992). Una faceta algo desconocida de la banda, que quizás sorprenda a más de uno, sobre todo entre los que no son fieles seguidores del grupo.

Sorprende oir a los creadores de temas tan imprescindibles como Irracional, J.F. o Tortura Visión, realizando canciones como En El Horizonte, con ese aroma a medio camino entre The Cult y Mötley Crüe. Baste también como ejemplo del cambio el nombre de algunos de los temas incluidos en Peligroso (1992), como Dulce Amor, Voy Mal, Alas Negras, Muerde El Polvo o Rebelde. Mención aparte se merece J. Molly, con una voz todavía por definir, pero elevándose mucho más de lo que en él estamos acostumbrados a escuchar en Hamlet, sobre todo desde su brusco y exitoso giro hacia el Nu Metal.

Y es que tan sólo un año después del lanzamiento de Peligroso (1992) la banda empezaba a sorprender al mundo con temas como Irracional o Ceremonia T.V incluidas en su Sanatorio de Muñecos (1993), al que le seguiría el excelente Revolución 12.111 (1996). El resto como suele decirse, es historia.

Banda | Hamlet

Queen + Paul Rodgers y The Cosmos Rocks

26 Diciembre, 2008

Para muchos la trayectoria de Queen acabó, o debió acabar, el mismo día en el que se conoció la noticia de la trágica pérdida de Freddie Mercury, quien fallecería para desgracia de todos el 24 de Noviembre de 1991. Desde entonces muchos han sido los conciertos homenajes a Freddie Mercury, con cantantes varios, como George Michael, Elton John, Robbie Williams o Paul Rodgers.

John Deacon, bajista de la banda, decidió bajarse pronto del carro, sobre todo tras la muerte de Freddie Mercury, ya que, para él Queen no tenía sentido sin su carismático líder. Su última presencia con Brian May y Roger Taylor fue en 1997, para componer y registrar el single No-One but You (Only the Good Die Young), incluido en el recopilatorio Queen Rocks (1997).

Tras mucho ir y venir, dos artistas tan consagrados como Brian May y Roger Taylor parecen haber encontrado la pieza que les faltaba para volver a la actividad musical, y a las tareas de gestación de nuevo material. El elegido, Paul Rodgers, quien fuera voz en Bad Company y Free. Su primer trabajo juntos, The Cosmos Rocks (2008), parece que no ha sentado demasiado bien entre los fans más acérrimos de la banda que antaño lideraba Freddie Mercury.

Y es que para el lanzamiento de este nuevo álbum han usado el nombre de Queen + Paul Rodgers, una elección que muchos fans y seguidores consideran inapropiada, ya que para ellos Brian y Roger no tendrían que seguir utilizando el nombre de Queen tras el fallecimiento de Mercury. Más a tenor del resultado del álbum, en donde queda muy presente la participación de un grande como Rodgers, quien inevitablemente ha acabado impregnándolo todo con su voz y con su propio estilo.

Personalmente la discusión tiene fundamentos, y los fans tienen motivos para sentirse disgustados. Pero también creo en el poder de las marcas, y al fin y al cabo, hoy en día en un mundo tan capitalista como el que nos rodea, el nombre de un grupo es una marca como otra cualquiera. Para Brian May y Roger Taylor, resulta más atractivo aparecer en escena bajo Queen + Paul Rodgers, que tener que buscar un nombre nuevo, con el que la gente les identifique a los tres y sobre el que nada se haya oído antes. Es cuestión de imagen, de puro marketing.

No lo olvidemos, los grupos, como cualquier empresa, tienen como objetivo ganar dinero. Los artistas no viven del aire. Y menos aquellos que, tras años de silencio, vuelven a la actividad como si nada. Plantarse con más de 50 años de nuevo sobre un escenario no es algo que se haga por satisfacer a los fans. Evidentemente, como en todo, hay casos y casos. Pero ya os digo yo que si por la industria discográfica fuera, seguro que volveríamos a ver a Queen con Freddie Mercury al frente.

Banda | Queen + Paul Rodgers
Disco | The Cosmos Rocks (2008)

Amy Winehouse y la apatía del éxito

21 Diciembre, 2008

Si decimos que Back To Black (2006) es uno de los álbums más impactantes, inteligentes, redondos y sorprendentes que se ha publicado en los últimos cinco años, no creemos que nadie se lleve las manos a la cabeza tras leerlo. Es más, estoy totalmente convencido de que habrá mucha gente que esté dispuesta a corroborar esta impresión.

La figura de Amy Winehouse ha dinamitado el mundo de la música, sobre todo ese que se hace denominar como mainstream. Ha copado las listas de ventas durante semanas, ha vendido millones de copias y todos presagiaban de ella una trayectoria exitosa y fulgurante. Con Back To Black (2006) además ha logrado rescatar los viejos valores del Rock, el Blues, el Soul y el Jazz, y colocar un sonido añejo de nuevo en la cresta de la ola.

Pero viéndola actuar en las Live BBC 1 Sessions del 2007 parece que hay algo que no acaba de encajar del todo. Vane se apresuraba a decir que pecaba de ser excesivamente lineal en su melodía y sobre todo que las canciones se volvían aburridas ya que no aportaban nada nuevo respecto a la anterior. Y la verdad es que falta de razón no tenía.

Lo peor de todo se percibía en la propia Amy Winehouse, y no, no era su apariencia, por aquel entonces todavía lucia un aspecto relativamente normal, era más bien su dejadez, su indiferencia, su falta de emotividad, sus robóticos movimientos y aspavientos. Una actitud distante y fría que solo lograba romperse cuando el público la aplaudía entre tema y tema. Algo que parecía recibir con cierto agrado y un apice de entusiasmo.

Se la veía sumida en esa apatía tan típica de aquel que no parece estar disfrutando de lo que esta haciendo. Un síndrome aparentemente habitual entre muchos de los artistas que alcanzan el estrellato y la fama, pero que observan con preocupación como ese cambio no les ha servido para mejorar en sus respectivas vidas. Sumidos en sus propias contradicciones, en sus fobias y sus demonios personales.

Con el fantasma de las sustancias prohibidas y el alcohol sobrevolándoles continuamente, al final prácticamente todos acaban por dejarse arrastrar, por dejarse llevar sin más. Para acabar con sus vidas deambulando por los escenarios, sin apenas brillo en los ojos, más ausentes y taciturnos que vivos. En aquella sesión de la BBC 1 a Amy Winehouse ya se le comenzaba a percibir algunos de estos indicios, esos detalles sutiles que pasan desapercibidos a simple vista.

Banda | Amy Winehouse

Band Du Lac, Paul Carrack, Eric Clapton y amigos

20 Diciembre, 2008

Es curioso como el mal denominado destino se cruza e interfiere en nuestras vidas una y otra vez de forma caprichosa. En los últimos meses estamos profundizando en la trayectoria de un personaje como Eric Clapton, sobre todo en su época más interesante, cuando todavía era parte de bandas como Cream, Blind Faith o Derek & The Dominos.

Por eso resulta sorprendente que, entre tanta oferta televisiva, uno pueda encontrarse con un directo realizado por Band Du Lac. Para los que no conozcan Band Du Lac, decirles que se trata de una banda de viejos rockeros, reunida para celebrar algunos conciertos benéficos en el Reino Unido, y entre cuyas filas destacan personajes como Eric Clapton, Paul Carrack, Roger Taylor, Gary Brooker, Ringo Starr o Mike Rutherford.

Este mítico y especial concierto fue editado en DVD y registrado bajo el nombre de Band Du Lac: One Night Only, ofreciéndonos imágenes de una fantástica actuación realizada el 11 de Junio de 2005 en Wintershall Estate en Surrey, Reino Unido. Entre la lista de temas de dicho concierto nos podemos encontrar clásicos tanto de Eric Clapton como de Genesis, aderezados con varios temas de The Beatles y Queen, interpretados sorprendentemente por Ringo Starr y Roger Taylor respectivamente.

Un total de 23 cortes que condensan lo mejor de la trayectoria de Eric Clapton, uno de los artistas invitados de Band Du Lac, junto con Paul Carrack y Mike Rutherford, de Mike + The Mechanics. Del que fuera guitarrista de Cream y Blind Faith podemos escuchar temas tan clásicos como Cocaine, Lay Down Sally, además de un sin fin de versiones de los años 50’s. Pero también hay lugar para temas de los ya mencionados Genesis, Mike + The Mechanics, The Beatles, Queen, The Drifters e incluso de una jovencísima Kate Melua.

Una verdadera fiesta con cierto tinte nostálgico, a tenor de la edad de muchos de los participantes y de asistentes en el acto, pero también una forma de demostrar que el Rock no conoce de edades, y que los verdaderos pioneros y artífices del género todavía tienen cuerda para mucho rato. Sobre Eric Clapton, poco que decir, sigue siendo un genio de las seis cuerdas, y su apodo se lo tiene ganado a pulso, resulta realmente increíble ver como con unos pocos movimientos de su mano lenta realiza solos realmente espectaculares.

Banda | Band Du Lac

Johnny Cash, Rick Rubin y los American Recordings

12 Diciembre, 2008

Rick Rubin siempre se ha caracterizado por tener una gran visión de mercado, por apostar con firmeza por los artistas a los que ha dado su apoyo y por ofrecerles un asesoramiento musical más allá de las tareas de un productor al uso. Quizás el mayor mérito de la carrera de Rick Rubin en la industria musical, y por el que siempre habrá que valorarle y respetarle, es haber devuelto a la actualidad internacional a un grande venido a menos como Johnny Cash, al que en los años 80’s las discográficas dieron de lado de forma realmente inapropiada.

Bajo el amparo de American Recordings, la discográfica creada por el propio Rick Rubin a principios de los 90’s tras cambiarle el nombre a su anterior Def American Records, un artista como Johnny Cash pudo prácticamente volver a nacer y a ofrecernos quizás los mejores albums de su trayectoria. Parte de la aportación más característica de Rick Rubin en las tareas de producción, al margen de su trato personal y su particular forma de simplificar las sesiones de grabación, reside en la adaptación de versiones a los distintos artistas con los que trabaja. Una apuesta que queda perfectamente reflejada ya en el primer álbum con Johnny Cash, y también el de la nueva discográfica de Rick Rubin, titulado sencillamente como American Recordings (1994), en donde hasta un total de seis versiones son registradas.

El vídeo para el tema Delia’s Gone incluido en este primer trabajo, y en el que podemos ver a Johnny Cash junto a una joven Kate Moss, llegó incluso a aparecer repetidamente en la cadena musical de moda, la Mtv, lo que le llevó a acabar ganando un Grammy al mejor álbum de Folk Contemporáneo del año 1994. De American Recordings (1994) destacan también las aportaciones de Glenn Danzig y Tom Waits, quienes le regalan a Johnny Cash sendos temas compuestos por cada uno de ellos, Thirteen y Down There by the Train respectivamente.

Después llegaría de la mano del dúo Johnny Cash y Rick Rubin, el fantástico Unchained (1996), para el que contarían con el apoyo de Tom Petty and The Heartbreakers como banda de apoyo. En él aumenta el número de versiones, incluyendo la fabulosa Rusty Cage de Soundgarden, o el Rowboat de Beck. Este segundo trabajo juntos, Unchained (1996), fue galardonado con un nuevo Grammy, esta vez al mejor álbum de Country del año 1997. Sin duda Johnny Cash volvía a recibir el reconocimiento que se merecía por parte de la industria discográfica americana.

Tras una etapa de enfermedad, donde Johnny Cash se vio afectado gravemente de neumonía, el dúo Cash-Rubin volverían de nuevo a la acción para lanzar el American III: Solitary Man (2000), en donde nos podemos encontrar destacadas versiones como el One de U2, el I Won’t Back Down de Tom Petty o la que da nombre al álbum Solitary Man de Neil Diamond, con la que de nuevo Johnny Cash volvería a ganar un Grammy esta vez a la mejor actuación vocal masculina de Country. Sin duda uno de los mejores trabajos de Cash que se recuerdan.

Pero lo mejor aún estaba por llegar, y el hombre de negro todavía tenía mucho de que demostrar antes de dejarnos. Su cuarto trabajo con Rick Rubin, el fabuloso American IV: The Man Comes Around (2002), eleva el listón a límites que sólo la enfermedad de Johnny Cash nos privaron de llegar a conocer. Mención especial para las impresionantes versiones del Personal Jesus de Depeche Mode, y del Hurt de Nine Inch Nails, en donde la voz rasgada y grave de Johnny Cash nos llega a embargar de melancolía, sentimientos profundos e intensas emociones. Un verdadero maestro que tristemente nos abandonaría el 12 de Septiembre de 2003, pocos meses después de la publicación de este American IV: The Man Comes Around (2002), álbum con el que ganaría también dos Grammys, uno de ellos por el emotivo e intimista vídeo clip de Hurt.

Johnny Cash fue de nuevo, gracias a la visión y el arrojo de Rick Rubin, el centro de las miradas en los últimos diez años de su vida, regalándonos momentos realmente especiales, entrañables, que siempre recordaremos por mucho que pasen los años. Muchas canciones de aquella época de resurrección que quedaron en el tintero o que se descartaron fueron más tarde compiladas todas ellas en el quíntuple álbum Unearthed (2003). Además con su repentina marcha, las sesiones que ya habían comenzado para registrar su American V quedaron en el aire. Algunas canciones de aquellas últimas sesiones de grabación ya han visto la luz bajo el nombre de American V: A Hundred Highways (2006), y otras posiblemente lo harán en un futuro bajo un American VI.

Lo que si queda claro es que la figura de Johnny Cash ha cobrado una nueva magnitud gracias a los American Recordings, los cuales nos han permitido disfrutar a todos por igual de los últimos años de vida, del talento y de la voz de uno de los artistas más auténticos y carismáticos que ha dado el mundo de la música a lo largo de su historia. Johnny Cash no solo será recordado por ser el autor de temas tan ilustres como Ring Of Fire, I Walk The Line o Folsom Prison Blues, o por ser el protagonista de su propio show televisivo, The Johnny Cash Show, sino que además a todos nos quedará siempre presente cómo el hombre de negro fue capaz de ofrecer lo mejor de sí mismo, de hacernos disfrutar con su voz y su música, aún en los últimos años de su vida.

Banda | Johnny Cash

Airbourne y la sombra de AC/DC

9 Diciembre, 2008

Hace unos días, curioseando por una tienda de discos en Valencia, me topé con el flamante álbum debut de Airbourne en su edición especial en vinilo. Ante aquella inusitada imagen me dio por pensar lo grandes que fueron, son y serán AC/DC.

Es realmente increíble, y eso que no soy fan, el enorme legado que ha dejado la banda de los hermanos Young en el mundo del Rock. El último ejemplo de ello son Airbourne, un cuarteto australiano realmente irreverente, con mucha actitud y con un apego innegable al sonido Hard Rock de AC/DC.

Su disco de debut, por título Runnin’ Wild (2007), pasó ligeramente desapercibido si se compara con bandas similares que abogan por ese resurgir del clásico Rock, como es el caso de The Answer o Wolfmother. Algo que ha de achacarse sin duda a EMI Australia, ya que ahora, un año después y gracias al cambio a Road Runner Records, los australianos vuelven a sonar, con más fuerza incluso que antes.

Culpa de ello lo tiene también el lanzamiento de un nuevo vídeo clip para el tema que da nombre al disco, Runnin’ Wild, en el que la presencia estelar de Lemmy de Motörhead, da cierto plus a la banda y sobre todo al clip.

Por lo demás nada nuevo que no hayamos escuchado antes. Pero como siempre ocurre en muchos de estos casos, algo tiene el Rock que es capaz de atraparte sin remisión. Y si a gente como los ya mencionados AC/DC la fórmula les ha servido en sus largos años de trayectoria, a este joven cuarteto desde luego también.

Lo que si parece es que poco a poco Road Runner Records, una discográfica tradicionalmente volcada en exclusiva al Metal, está empezando a ampliar sus miras, en busca de nuevos horizontes. Y la verdad es que las nuevas bandas que están saliendo de su sello empiezan a copar las publicaciones y sobre todo las mejores críticas. Habrá que estar atentos.

Banda | Airbourne
Banda | AC/DC

Standstill, diez años de constante evolución

2 Diciembre, 2008

Llevo varios días escribiendo en mi blog del TheNotDead Rock Webzine, y también en estas páginas, sobre el documental Diez Años Y Una Zanahoria (2008), en el que se repasa de forma visual y gráfica los ya más de diez años de trayectoria de Standstill, una de las bandas más especiales y peculiares que ha dado este país en los últimos tiempos. Especial por lo novedoso de su sonido y su apuesta, peculiares por la constante evolución y lucha que siempre les ha acompañado.

Del documental destacaría sobre todo dos cosas. La primera de ellas las evidentes ganas de superación de un grupo que comenzó a dar sus primeros pasos muy pronto, algo que contrasta fuertemente con sus crecientes espectativas y en consecuencia con sus continuas decepciones. La segunda, la constante necesidad de encontrar un estilo propio, un camino que seguir, al margen de tendencias, de gustos, de modas, una búsqueda de la esencia que les ha llevado a dar mil y un giros en su discográfia.

Standstill

Standstill

Para los que no conozcan a Standstill les recomiendo sobre todo, si tienen intención de escucharlos, que tengan cierta predisposición a dejarse sorprender. Y es que el sonido de la banda ha evolucionado mucho desde sus inicios, próximos al Hardcore y al Screamo, pasando por el Emocore hasta llegar a una especie de amalgama propio de difícil catalogación. De hecho muchos de los ritmos contenidos en su último trabajo discográfico, VivaLaGuerra (2008), podrían ser perfectamente catalogados como Pop o Indie. Pero al margen de las etiquetas, Standstill jamás se han estancado en un sonido, sabiendo explorar y dar rienda suelta a sus inquietudes.

Con calidad y talento a raudales, destilando clase y elegancia en cada una de sus composiciones, Standstill han gozado siempre de un gran respeto por parte de los medios especializados, pero sus niveles de popularidad nunca les han permitido alcanzar una posición privilegiada en la escena musical de nuestro país. Algo que parece haber hecho mucha mella entre sus componentes, sobre todo entre los que todavía permanecen en la banda y creen firmemente en el trabajo que han hecho durante estos diez años.

En lo personal, sus devaneos con el inglés y posteriormente con el castellano, sumado a los constantes giros en su sonido, añadido además a sus largas giras europeas, creo que han repercutido negativamente en su asentamiento en España. Pero eso no impide pensar que una banda como Standstill merecería tener un mayor reconocimiento del que ya de por si tienen en nuestro país.

Banda | Standstill

Seguimos la pista a… Uzzhuaïa

7 Noviembre, 2008

En TheNotDead siempre hemos sido unos admiradores confesos del sonido de la banda, ya incluso desde sus tiempos de Diablo Blvd. (2003), álbum con el que sorprendieron a propios y extraños con su Hard Rock con aires de Stoner Rock cantado en castellano. Ahora, algo más de cinco años después, la banda continúa su trayectoria, con tanta ilusión como el primer día, y con el que es ya su cuarto álbum de estudio Destino Perdición (2008) bajo el brazo.

Los valencianos vuelven de nuevo a la actividad más cotidiana de una banda tras unos meses de relativa tranquilidad, en los que el grupo ha tenido tiempo más que suficiente para descansar, y además registrar un nuevo e impresionante videoclip para Destino Perdición, el que es ya segundo single destacado del cuarto álbum del mismo nombre, Destino Perdición (2008).

Sin duda un vídeo que dará mucho que hablar, y que ha de servir para que se centren aún más las miradas en la banda levantina. Y es que Uzzhuaïa arrancan, con el lanzamiento de este clip como pistoletazo de salida, una nueva gira que les ha de llevar por todos los rincones de nuestro país, hasta el próximo 13 de Diciembre de 2008, cuando se cerrará la fiesta con una actuación en el Heineken Green Space de Valencia, ante su público.

Personalmente tengo muchas ganas de poder disfrutar de nuevo del directo de Uzzhuaïa, y más aún tras conocer los rumores que anuncian que la fecha que el grupo ofrecerá en su ciudad posiblemente sea registrada, con vistas a editar un primer Dvd Oficial de la banda o en su defecto un nuevo álbum en directo. Un material que está siendo ya realmente codiciado y esperado, no solo por el que aquí escribe, sino por todos los fans habituales de la banda.

Banda | Uzzhuaïa
Disco | Destino Perdición (2008)
Vídeo | Destino Perdición

Bush, de Sixteen Stone a Golden State

17 Octubre, 2008

Lo confieso, soy un enamorado del sonido que practicaban los británicos Bush, la que fuera banda del renovado Gavin Rossdale. Y es que nunca he disfrutado tanto de la discografía de un grupo, como en el caso de este cuarteto londinense. Pioneros por ser de los primeros en abrazar el sonido Grunge en el Reino Unido, pero sobre todo por saber aderezarlo con las particularidades que sólo los habitantes de las islas son capaces de aportar.

Lastrados por el simple hecho de haber sido los últimos en apuntarse a un género tan desgarrador, tan auténtico, tan rompedor como el Grunge, fueron quizás una de las primeras bandas a las que personalmente le colgaría la etiqueta de Post Grunge. Su sonido lejos de imitar a los Nirvana y compañia, se nutría de elementos mucho más elaborados, melodías complejas y estructuras de guitarra algo enrevesadas. Pero lo que tampoco se puede negar es que tenían el camino prácticamente hecho.

Por eso es por lo que un disco de debut como Sixteen Stone (1994) acabó terminando de explotar a la fuerza en el verano de 1995, varios meses después de su publicación y de la mano del que sería el tercer single de la banda Comedown. Fue la oportunidad perfecta para que Bush se embarcaran en una extensa gira americana, que les terminaría de consagrar definitivamente, al menos al otro lado del Atlántico.

Después vendría el imprescindible Razorblade Suitcase (1996), con el que terminarían de asentarse internacionalmente, gracias a singles como Swallowed o Greedy Fly. Pero la época dorada de los artistas de Seattle iba llegando poco a poco a su fin. Bandas como Soundgarden, Alice In Chains o Screaming Trees, pondrían el punto final a sus trayectorias, algo que marcaría irremediablemente el devenir de los británicos.

Tres largos años pasaron hasta la publicación de The Science Of Things (1999), un buen disco, tampoco el mejor, en el que Bush apostaron por la experimentación, el uso en pequeñas dosis de la electrónica y otros efectos menos habituales en el Rock. Un álbum que sufrió irremediablemente las consecuencias de la época en la que fue lanzado, y que no despertó demasiadas simpatías, ni generó las ventas esperadas. La banda decidió entonces que era buen momento para cambiar de compañia discográfica, dando el salto de Trauma Records a Atlantic Records, en busca de nuevas metas y objetivos.

Pero la publicación de Golden State (2001), otro buen disco, cargado de excelentes temas, sin espacio para la experimentación, tratando de rescatar el sonido primigenio de los británicos, tampoco gozó de la aceptación del público, ni de la crítica, y resultó ser un verdadero fiasco a nivel de ventas. Ante el fracaso, Bush fueron condenados al ostracismo más absoluto por parte de Atlantic Records y la banda acabó replanteándose su propio futuro decidiendo disvolverse de forma indefinida entrados ya en el año 2002, poniendo el que hasta ahora es el punto final a su trayectoria.

A mi juicio Bush fueron una grandísima banda que hay que saber paladear con tranquilidad, sin prejuicios, y sobre todo sin tratar de comparar con los grandes del Grunge. Si bien sus dos primeros trabajos resultan realmente imprescindibles, los dos últimos no desmerecen para nada a la banda, sobre todo el interesante Golden State (2001) del que todavía me sorprende su poco éxito comercial. Una verdadera lástima.

Banda | Bush

Pink Floyd, Roger Waters y la desmedida lucha de egos

10 Octubre, 2008

Hace un par de días me dio por adquirir varios vinilos más, ya se sabe hay obsesiones que matan. Esta vez no obstante, me decidí por Pink Floyd, por sus esenciales, The Dark Side Of The Moon (1973), Wish You Were Here (1975) y Animals (1977), ahí es nada. Pero sobre todo me dio por volver a escucharlos de nuevo, con calma, deleitándome en los detalles. A cada canción que volvía a sonar, a cada acorde que se desgranaba, una pregunta me rondaba y asediaba constantemente. ¿Qué pudo acabar con semejante grupazo?.

Pink Floyd fueron, ante todo, una grandísima banda. Y eso que Syd Barret, el verdadero cerebro del grupo en sus inicios, se tuvo que apear demasiado pronto por culpa de sus trastornos mentales causados por el abuso del consumo de ácidos. Pero David Gilmour supo cubrir perfectamente la ausencia de Syd ya desde el segundo álbum de Pink Floyd. En el Reino Unido copaban las listas de ventas, pero les faltaba, y se empeñaron en ello, arrasar en el mercado americano. Un reto que no lograrían conseguir hasta la publicación de The Dark Side Of The Moon (1973), uno de los discos más importantes, influyentes y más vendidos que jamás ha dado el mundo de la música.

A partir de ahí vendrían los ya mencionados Wish You Were Here (1975), Animals (1977), el fantástico The Wall (1979) y el definitivo The Final Cut (1983), en los cuales Roger Waters tomaría paulatinamente las riendas de la banda, haciéndose cada vez más habitual su firma tanto en las totalidad de las letras como en la mayoría de las composiciones. Pero donde más se dejaba ver su liderazgo era a la hora de tomar las decisiones en el propio seno del grupo. Algo que llevó al propio Waters a decidir prescindir de Rick Wright, lo que le llevaría a un enfrentamiento irreconciliable con David Gilmour y Nick Mason.

A pesar de ello todavía registrarían juntos el ya mencionado The Final Cut (1983), compuesto, escrito y cantado íntegramente por Waters, en el que supondría su último trabajo bajo el nombre de Pink Floyd. Jamás se llegó a hacer ni a plantear siquiera una gira para promocionar dicho disco, y cada uno de los componentes se las arregló como pudo para editar sus primeros trabajos en solitario. Poco tiempo después, Roger Waters decide abandonar Pink Floyd, bajo la idea de que la banda jamás volvería tocar de nuevo.

Pero las disputas, tensiones y malos rollos llegarían a su punto cumbre en el año 1986 cuando David Gilmour y Nick Mason deciden meterse de nuevo en los estudios de grabación, con la idea de sacar un nuevo disco de Pink Floyd, esta vez sin Roger Waters. La cosa acabó en los tribunales, peleando por la marca de Pink Floyd, los créditos de los temas, los royalties y todo aquello que suele rodear a los grupos. Roger Waters no pudo impedir que Gilmour y Mason siguieran utilizando el nombre de Pink Floyd, pero la banda jamás volvería a ser lo que fue.

Aún hoy en día, la pelea de egos todavía colea y resulta realmente difícil, aún incluso con la cantidad de revivals que estamos viviendo, que la formación original de Pink Floyd pueda algún día volver a pisar de nuevo un escenario, más allá de la anecdótica presencia de Waters, Gilmour y Mason en el Live 8. Una batalla absurda, estéril y rocambolesca, que acabó con una de las más grandes bandas de todos los tiempos.

Banda | Pink Floyd

Mark Lanegan, The Gutter Twins y el Azkena 2008

8 Octubre, 2008

Si hay un cantante que le apasione a Vane, atentos a los próximos escritos que tiene previsto realizar sobre él en TheNotDead Rock Webzine, ese es Mark Lanegan. El que fuera vocalista de los Screaming Trees, ha sabido llevar con acierto una intensa y extensa carrera en solitario, que ha compaginado con varias y diversas colaboraciones de relativo éxito.

Mark Lanegan ha sido, quizás junto a Mark Arm de Mudhoney, uno de los personajes claves del Grunge, que si bien no ha gozado de la popularidad y del tirón de otros vocalistas de su generación, si que ha de ser señalado como pionero, como instigador, como un verdadero artista de culto, ecléctico e intimista que ha sabido ofrecer su talentosa voz allá donde la han reclamado.

Sus primeros pasos nos llevan hasta el año 1985 en donde junto a los hermanos Conner se embarca en Screaming Trees, facturando algunos de los mejores discos que ha dado la escena de Seattle. Desde muy pronto, y debido a las constantes desavenencias en el seno de su banda, Lanegan flirteó con sus proyectos en solitario, ayudado por las figuras del momento, como Kurt Cobain, Krist Novoselic, Mark Pickerel, Mike Johnson o Chris Cornell.

Con el Grunge dando sus últimos suspiros, Screaming Trees se vieron forzados a desistir en sus intentos por sacar un nuevo álbum, y Lanegan optó sabiamente por continuar su ya iniciada carrera como solista. Josh Homme, Nick Oliveri, Pj Harvey, Izzy Stradlin o Duff McKagan entre otros, fueron los amigos y colaboradores de excepción en esta nueva etapa. Mención especial aquí para Wendy Rae Fowler, su ex mujer, quien aporta su voz a alguna grabación del Bubblegum (2004), quizás su disco más aclamado.

Sus cuantiosos trabajos en solitario, son verdaderas delicias sonoras que hay que paladear y saborear como si de un buen whiskey se tratara. Como lo son también sus esporádicas apariciones. A Mark Lanegan lo podremos encontrar por ejemplo en el único álbum de Mad Season, su primera colaboración, proyecto o grupo paralelo al margen de los Screaming Trees. Por si fuera poco su voz se puede escuchar en varios temas de Queens Of The Stone Age, con los que llegó incluso a girar por medio mundo.

Recientemente se le pudo oír y ver junto a Isobell Campbell, tanto en los trabajos de la artista escocesa como en los dos albums que ya han grabado juntos. Se le ha visto con Soulsavers, el dúo inglés de remezclas, con The Twilight Singers, el proyecto de Greg Dulli tras The Afghan Whigs, y que finalmente ha acabado derivando en The Gutter Twins. Quien sabe si en breve le volveremos a ver dedicándose a sí mismo para abordar un nuevo y esperadísimo trabajo en solitario.

Lo que si que parece claro es que Mark Lanegan, a quien pudimos disfrutar y escuchar junto a The Gutter Twins en el Azkena 2008, es un personaje admirable, único, irrepetible, el Tom Waits de los años 90’s, la voz profunda y melancólica del Grunge, un genio solitario e incomprendido, en apariencia ausente y distante sobre el escenario, pero al fin y al cabo un verdadero artista de los pies a la cabeza, el cual merece toda nuestra admiración y nuestro respeto.

Banda | The Gutter Twins
Banda | Mark Lanegan